Duel, un film fondateur. À l’origine, ce n’est qu’un téléfilm produit pour la chaîne ABC, adapté d’une nouvelle de Richard Matheson qui est le scénariste. Pourtant, ce projet modeste deviendra l’un des actes de naissance du cinéma moderne de Steven Spielberg. Le budget est limité, le tournage extrêmement court (13 jours), et la contrainte paraît absurde : tenir un long récit avec pratiquement un seul acteur, une voiture et un camion. Toute la mise en scène repose sur le mouvement, l’espace et la tension. Les dialogues sont rares, le désert devient un théâtre mental, et la route une ligne de fuite vers quelque chose d’incontrôlable. Dennis Weaver incarne David Mann, représentant de commerce banal, perdu dans une Amérique désertique. Stations-service, cafés routiers, lignes électriques, route poussiéreuses semblent déjà annoncer un monde mécanique à la Mad Max (1979) . Spielberg révèle un sens du cadre exceptionnel, caméras embarquées, rétroviseurs, les longues focales et les sons moteurs deviennent des outils dramatiques à part entière. La route sinueuse, très urbaine au début, comme une protection de l’individu devient de plus en plus nue, et déserte. La route livre alors sa proie (la Plymouth rouge) à son prédateur un camion carnassier. Ce qui frappe surtout, c’est la capacité du film à créer une tension primitive avec des moyens dérisoires. Duel choisit l’épure absolue et le diable.
SYMBOLES
La petite Plymouth rouge de David Mann représente l’homme moderne américain : confortable, rationnel, civilisé, mais profondément fragile. Cette voiture est typique de l’Amérique des années 70, celle des classes moyennes mobiles, des commerciaux sillonnant le territoire dans une société qui croit encore que la technologie garantit le contrôle du monde. Face à elle surgit le camion-citerne, énorme machine rouillée, sale, huileuse, presque organique. Spielberg le filme comme un prédateur. Ses phares ressemblent à des yeux, son moteur rugit comme une bête et sa masse semble écraser le paysage lui-même. Son aspect est essentiel : le camion est couvert de poussière, de graisse, de plaques d’immatriculation accumulées comme des trophées. Il paraît ancien, archaïque, sorti d’un passé brutal que l’Amérique moderne croyait avoir dépassé. La rencontre entre ces deux véhicules devient alors la rencontre de deux mondes. D’un côté, l’homme policé, de l’autre, une violence primitive démoniaque. Spielberg joue constamment sur cette dimension infernale. Le conducteur du camion reste invisible, , une entité abstraite, comme si le mal lui-même conduisait. Le film prend alors une dimension mythologique : David contre Goliath, l’homme ordinaire contre le diable mécanique. Même les décors participent à cette symbolique. Le désert évoque un purgatoire, les hublots du Lavomatic, le pare-brise ou rétroviseurs enferment constamment le personnage dans des cadres oppressants. Spielberg utilise le peu qu’il a à sa portée pour créer une tension anormale qui effleure le fantastique. Le film est dérangeant car sans explications.
LA TRANSFORMATION
Au début du récit, il est présenté comme un homme passif, incapable de s’imposer. Lors d’un appel téléphonique avec sa femme, on comprend qu’il n’a pas su la défendre face à une humiliation publique. Il appartient à cette figure de l’homme moderne qui évite le conflit, intellectualise tout et tente de maintenir les apparences sociales. Mais le camion détruit progressivement cette façade civilisée. Face à une agression pure, sans logique ni négociation possible, tous les réflexes sociaux deviennent inutiles. Il découvre que la survie ne passe plus par la parole mais par l’instinct. Plus la traque avance, plus il redevient animal : sueur, peur, cris, fatigue, réflexes. Dans les dernières scènes, il goute son propre sang après s’être blessé la bouche. À la fin, David ne triomphe pas grâce à son intelligence mais grâce à un réflexe de survie presque sauvage. Il ruse, il encaisse et devient violent. Cette évolution donne au film une résonance très contemporaine. Duel montre un individu moderne confronté à un monde où les règles rationnelles s’effondrent brutalement. La peur, l’agressivité et l’instinct reprennent alors le dessus. Plus de cinquante ans après sa sortie, cette vision reste étonnamment actuelle. Derrière son apparence minimaliste, le film parle d’une société épuisée, nerveuse, où chacun roule isolé dans son habitacle en croyant maîtriser son existence jusqu’au moment où surgit une force brutale qui rappelle que la civilisation reste très fragile…
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